Por qué las películas de Federico Fellini son tan pegadizas

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 03:53

Llorarás por las "Noches de Cabiria", apreciarás el cinismo maduro de "La Dolce Vita" y te sumergirás de lleno en la extravagancia de "Roma".

El gran director italiano Federico Fellini, ganador de cinco premios Oscar (el último por su aportación al cine), cambió radicalmente el pensamiento tanto del público como de muchos otros directores. A primera vista, sus pinturas son tremendamente confusas, complejas y, por lo tanto, incomprensibles. Pero si lo miras, el lenguaje cinematográfico de Fellini es muy democrático, y él mismo es un verdadero creador de folk.

¿Cuál fue el camino creativo de Federico Fellini?

Inicio de carrera y neorrealismo

Federico Fellini comenzó su carrera en la cinematografía en 1945 cuando escribió el guión de la película de Roberto Rossellini "Roma, una ciudad abierta". Esta imagen sentó las bases de la dirección más democrática del cine mundial, el neorrealismo italiano, y ahora se considera un clásico innegable. Las principales características del neorrealismo fueron las connotaciones sociales y un enfoque en la gente común. Para actuar en tales cintas, junto con las estrellas, generalmente se les llamaba actores no profesionales.

Es cierto que Fellini, a diferencia de los principales representantes del neorrealismo, Vittorio de Sica y Roberto Rossellini, siguió su propio camino. El tema del "hombrecito" y los temas sociales también le eran cercanos. Pero ya en las primeras películas de Federico, se puede rastrear una originalidad creativa y una filosofía original. Y los motivos de la extravagancia y el carnaval, que más tarde se convirtió en su sello distintivo, son visibles incluso en las primeras obras del maestro: Variety Show Lights (1950), The White Sheikh (1952) y Mama's Sons (1953). Aunque en estas cintas Fellini solo buscaba a tientas su estilo específico.

Las siguientes películas, "The Road" (1954) y "Nights of Cabiria" (1957), se volvieron más sentimentales y menos realistas. Parecían un sueño extraño e inquietante. Después de ellos, el director finalmente abandonó el neorrealismo en favor de obras inusuales, donde la realidad se combinaba extrañamente con varios tipos de milagros.

Partiendo por el surrealismo y el florecimiento de la creatividad

Un nuevo capítulo en la carrera de un director a veces se llama realismo rosado o mágico. Las películas de este período están mucho más llenas de fantasía que antes, pero al mismo tiempo se distinguen por la poesía y la ligereza. Y aún tanto como los motivos de la extravagancia y el carnaval, Fellini está interesado en el tema de encontrarse a uno mismo.

Las películas más importantes de esta etapa - "Sweet Life" (1960) y "8 y medio" (1963) - se construyen como una mezcla explosiva de recuerdos reales, nostalgia e imaginación. Son estas dos películas las que se consideran el pináculo de la propia creatividad del director y el estándar de la cinematografía en general. La influencia de la teoría del psicoanálisis también se siente fuertemente en ellos. Después de todo, Fellini estuvo muy atento a sus sueños y anotó muchos de ellos, y en el concepto psicoanalítico, se le da mucha importancia a la interpretación de los sueños.

Rasgos barrocos y estilo cada vez más grotesco

En esta etapa, el camino creativo del maestro diverge cada vez más de las expectativas de la audiencia. La espectacularidad finalmente comenzó a dominar la trama, y las películas mismas se volvieron bien, completamente psicodélicas.

En las cintas "Satyricon" (1969), "Roma" (1972), "Amarcord" (1973) Federico Fellini se refiere a la historia antigua e incluso a sus propios recuerdos de infancia. Pero al mismo tiempo, las películas están tan sobrecargadas de detalles que Andrei Tarkovsky llamó a las obras de este período Tarkovsky sobre Fellini: “Cuanto más subjetiva es la imagen del mundo, más profundamente penetra el artista en la realidad objetiva” / Arte del cine el barroco de Fellini.

La apoteosis fue la película "Casanova" (1976). Fue recibido con frialdad por la crítica y no fue apreciado ni siquiera por los seguidores más leales del director. Y el propio Fellini no estaba orgulloso de este trabajo. Aceptó la producción con gran desgana y leyó las voluminosas memorias de Giacomo Casanova después de haber firmado un contrato de rodaje.

El declive del camino creativo y la auto-ironía

A partir de la década de 1980, el maestro finalmente se autoparodizó y reconsideró sus primeros hallazgos. Por ejemplo, "Ciudad de mujeres" (1980), de hecho, es una escena del harén de "8 y medio" que ha crecido hasta el tamaño de una película completa.

En la parábola "Y el barco navega …" (1983) Fellini sigue estrictamente sus principios artísticos favoritos (sobre ellos más adelante). Pero las películas posteriores del director, "Ginger y Fred" (1986), "Entrevista" (1987) y "La voz de la luna" (1990), están unidas por el tema de la fatiga creativa y la nostalgia del pasado. Para el primer conocimiento de Fellini, es mejor no elegirlos. Después de todo, este es el caso en el que es mejor ver las películas del director estrictamente en orden.

Cómo se destaca el estilo de dirección de Federico Fellini

Imágenes y arquetipos persistentes

A través de todo el trabajo de Fellini, las mismas imágenes corren como un hilo rojo. Rara vez su película prescinde de la atmósfera del circo. Esto último no se puede imaginar sin payasos, que a la vez inquietan y deleitan al director.

Federico Fellini Director. Del libro "I, Fellini" de Charlotte Chandler

Cuando tenía siete años, mis padres me llevaron al circo por primera vez. Los payasos me sorprendieron; no sabía quiénes eran, pero tenía la extraña sensación de que me esperaban aquí. Desde entonces, he establecido una conexión inquebrantable con el circo, y lo he soñado durante muchos años.

El cineasta volvió a este tema con tanta frecuencia que ahora un estilo similar está indisolublemente ligado a su nombre. Los críticos llaman a esta estética afectiva, es decir, afectiva.

Otra parte importante de la estética de Fellini es la imagen de la playa. El director nació en la ciudad costera de Rimini y pasó mucho tiempo junto al mar. Por lo tanto, en sus películas, los eventos fatídicos para los héroes (ejemplos vívidos: "8 y medio", "Sweet Life" y "The Road") a menudo se desarrollan en la orilla.

Fellini comenzó como caricaturista y era experto en representar imágenes al borde de lo grotesco. Quería que los personajes, tan pronto como aparecieran en la pantalla, fueran recordados inmediatamente por la audiencia. Por lo tanto, estaba preocupado por personas inusuales: marginales, prostitutas, estafadores y pícaros.

Una y la misma imagen se encuentra a menudo en sus obras: una dama muy grande y majestuosa. Ella encarna tanto el principio femenino, el cuidado maternal y la pasión animal. Como todos sus personajes favoritos, al director se le ocurrió una heroína así cuando era niño.

Drama poco convencional

A menudo, las películas de Fellini se asustan por su falta de una estructura narrativa clara. Parece que sus pinturas no tratan de nada en absoluto: no hay un guión claro en ellas, y la trama, aunque la haya, no es lineal.

Pero es precisamente esta característica la que hace que las cintas del maestro sean tan distintivas. Para aquellos que valoran, sobre todo, la intriga deslumbrantemente retorcida y los diálogos elegantes, es poco probable que el estilo de Fellini se acerque. Pero el italiano supo perfectamente transmitir varios matices de sentimientos de sus héroes.

Musa permanente

Ni una sola película de Fellini podría prescindir de su amada esposa Juliet Mazina. Incluso si la actriz no actuó ella misma, casi siempre estuvo presente en el set. En la película "The Road" Mazina ha creado una de las mejores imágenes del cine mundial, y el nombre de su heroína, Jelsomina, se ha convertido en un nombre familiar.

El artista fue capaz de transmitir en la pantalla literalmente toda la gama de emociones humanas. Podría ser igualmente espontánea, romántica, dramática, pero con más frecuencia, divertida y dolorosamente conmovedora.

Alter ego cinematográfico

Al ir a rodar La Dolce Vita, Fellini al principio no pudo encontrar un actor principal. Necesitaba el tipo más versátil para que la audiencia pudiera imaginarse fácilmente en el lugar del héroe.

Un viejo conocido de Juliet Mazina, Marcello Mastroianni, era ideal. Posteriormente, su colaboración con Fellini renació en una estrecha unión creativa, y luego en una verdadera amistad, que ambos llevaron a cabo a lo largo de los años.

El director no se cansaba de repetir que él mismo y las imágenes de Mastroianni deberían tomarse en su conjunto. Y así demostró que puedes filmar cosas muy inusuales e interesantes sobre ti mismo, y algunos otros cineastas adoptaron más tarde esta técnica.

¿Qué películas de Federico Fellini necesitan ver?

1. Hijos de mamá

• Italia, Francia, 1953.
• Drama, comedia.
• Duración: 109 minutos.
• IMDb: 7, 9.

Cinco jóvenes se aburren en una ciudad costera de provincia. Sueñan con dejar su tierra natal, donde todo es dolorosamente familiar y donde viven sus familiares.

La base de "Mama's Sons" la formaron los recuerdos del propio Fellini, aunque no le gustó que sus películas fueran llamadas autobiográficas. Sin embargo, la cinta habla exactamente de la juventud del director. Uno de los personajes principales incluso fue interpretado por el hermano de Federico Ricardo Fellini, y el personaje lleva el mismo nombre.

Gracias al tono muy personal de "Mama's Sons", junto con sus primeros trabajos "Variety Show Lights" (1950) y "White Sheikh" (1952), se puede considerar una especie de trilogía. Pero fue en "Sons" donde Fellini encontró su originalidad creativa y llevó sus habilidades cinematográficas a un nuevo nivel.

2. Carretera

• Italia, 1954.
• Drama.
• Duración: 108 minutos.
• IMDb: 8, 0.

El hombre fuerte del circo Zampano compra al idiota del pueblo Jelsomina para que trabaje como su asistente. Juntos viajan por Italia hasta que conocen un circo ambulante.

"The Road" es considerada una de las películas clave no solo en italiano sino también en el cine mundial. En esta cinta, Fellini ya se ha apartado de los cánones del neorrealismo y ha añadido fantasía y poesía a la acción.

La imagen le dio a Fellini su primer "Oscar", y también glorificó a Juliet Mazina, a quien inmediatamente apodaron "Chaplin con falda".

3. Noches de Cabiria

• Italia, Francia, 1957.
• Drama, melodrama.
• Duración: 118 minutos.
• IMDb: 8, 1.

Una prostituta llamada Cabiria sueña con encontrar el amor verdadero y dejar un barrio pobre. Pero la niña es engañada y utilizada para intereses personales. A pesar de esto, sigue siendo amable con la gente.

Federico Fellini escribió el guión de la película especialmente para su esposa. No hace falta decir que Mazina hizo frente a su papel de manera excelente, y su sonrisa entre lágrimas en el final se convirtió en un símbolo del cine italiano.

4. Dulce vida

• Francia, Italia, 1960.
• Sátira, tragicomedia.
• Duración: 179 minutos.
• IMDb: 8, 0.

El cínico periodista Marcello lleva un estilo de vida hedonista y cambia a las mujeres como si fueran guantes. Incluso la aparición de la estrella de cine estadounidense Sylvia no causa una impresión especial en el héroe. Sus sentimientos solo son heridos por el terrible suicidio de un amigo, pero no por mucho tiempo.

La imagen convirtió a Marcello Mastroianni en una estrella y también influyó tanto en la cultura popular que incluso su mismo nombre se convirtió en un nombre familiar. Pero la ingeniosa idea no fue apreciada de inmediato. Se prohibió "Sweet Life", el director fue acusado de blasfemia y de supuestamente filmar pornografía. Llegó al punto en que Fellini literalmente escupió en la cara.

5,8 y medio

• Italia, 1963.
• Tragicomedia.
• Duración: 138 minutos.
• IMDb: 8, 0.

El director Guido Anselmi está a punto de rodar una nueva película y al mismo tiempo atraviesa una crisis creativa. Va a un resort donde conoce a todo tipo de personas. Pero cuanto más lejos, más duda el héroe de que creará una imagen.

Fellini compuso "8 y medio" basado en la experiencia personal. Cuando fue necesario escribir un guión, él mismo se enfrentó a la falta de ideas e incluso quiso abandonar el proyecto. Pero luego se le ocurrió hacer una película sobre sí mismo.

Incluso el nombre "8 y medio" que eligió Federico no fue por casualidad. Incluye seis largometrajes y dos cortometrajes que Fellini logró rodar en ese momento. Pues bien, el director consideró su ópera prima “Variety Show Lights” (1950), realizada en colaboración con Alberto Lattuada, a mitad de camino.

6. Julieta y el perfume

• Italia, Francia, 1965.
• Fantasía, drama, comedia.
• Duración: 148 minutos.
• IMDb: 7, 6.

Juliet comienza a sospechar de traición a su marido. Pero desde el momento en que finalmente pierde la confianza en su amado, una multitud de espíritus del otro mundo se precipita en su vida.

Con su primera película en color, Fellini quiso devolver a las mujeres el derecho a elegir libremente. Pero, irónicamente, no escuchó en absoluto a su esposa Juliet Mazina, quien constantemente criticaba el guión durante el rodaje, y en vano. En lugar de centrarse en la experiencia de las mujeres, Federico retrató su propia visión de ellas en la pantalla. Debido a esto, la imagen fue recibida con frialdad, tras lo cual el director admitió que su esposa tenía razón.

A veces, "Juliet" se llama la versión femenina de "8 y medio". Esto es en parte cierto, porque el propio Fellini habló con Federico Fellini. Hacer una película que ha estado haciendo la misma película toda su vida.

7. Satiricón

• Italia, Francia, 1969.
• Fantasía, drama, historia.
• Duración: 129 minutos.
• IMDb: 6, 9.

Los acontecimientos se desarrollan en el Imperio Romano durante su declive. En el centro de la narración está la historia del joven Encolpio. El héroe busca a su joven amante, quien escapó con su amigo común.

Ahora "Satyricon" se considera una de las mejores obras de Fellini, pero la película, lamentablemente, se adelantó mucho a su tiempo. Entonces, los expertos en historia antigua criticaron duramente la imagen, aunque el director no pretendió ser auténtico. Su objetivo era más bien una parodia de la situación sociopolítica de finales del siglo XX.

El público también reaccionó con frialdad a "Satyricon", considerándolo demasiado experimental. En esta etapa, Fellini, lenta pero seguramente, comenzó a perder a su público, que dejó de entenderlo por completo.

8. Roma

• Italia, Francia, 1972.
• Drama, comedia.
• Duración: 120 minutos.
• IMDb: 7, 4.

Impresionista, escrita a grandes rasgos, la historia del propio Fellini, quien, de joven, se trasladó a Roma desde una pequeña ciudad. Como en muchas otras películas del maestro, está lleno de motivos autobiográficos, si bien no hay una trama clara, la trama no es lineal y la corriente de la conciencia mezcla pasado y presente, realidad y ficción.

9. Amarcord

• Italia, Francia, 1973.
• Drama, comedia.
• Duración: 123 minutos.
• IMDb: 7, 9.

Según la trama, la década de 1930 y la dictadura fascista de Mussolini están en el patio. Los eventos principales se desarrollan en torno a la familia de la joven Titta y varios otros personajes extraños que habitan en la pequeña ciudad costera.

En Amarcord, Fellini reinventa su adolescencia en Rimini. Pero prefiere mostrar sus recuerdos de la infancia a través del prisma de la experiencia adulta. Así que la película resultó ser muy franca y algunos episodios avergonzaron tanto a los censores que los espectadores soviéticos, por ejemplo, vieron una versión recortada.

10. Ciudad de las mujeres

• Italia, Francia, 1980.
• Drama, comedia.
• Duración: 148 minutos.
• IMDb: 7, 0.

El respetable burgués Snaporas se baja del tren detrás de la mujer que le gusta. Se encuentra en una comuna asombrosa donde no hay lugar para los hombres. El héroe intenta escapar de allí, pero solo se sumerge más profundamente en el abismo del caos y el absurdo.

Esta es una de las últimas películas de Fellini, surrealista y sin trama como todas sus obras maduras. La imagen se puede llamar un replanteamiento de la cinta "8 y medio", donde el héroe Mastroianni tenía un poder indiviso sobre las damas enamoradas de él. Pero en "City of Women" el personaje, por el contrario, es aplastado por el fluir de la expresión femenina.