Razones no obvias por las que amamos algunas películas y nos resulta difícil tolerar otras

2024 Autor: Malcolm Clapton | [email protected]. Última modificación: 2023-12-17 03:53

Sutilezas de edición, técnicas de cámara y otros trucos que te permiten sentir el ambiente.

La mayoría de las veces, cuando se habla de cine, la gente habla sobre la trama y la actuación. Por supuesto, estos son componentes importantes de cualquier película. Pero sucede que no puedes apartar la vista de una imagen, aunque la acción se desarrolla muy lentamente y otra historia se vuelve aburrida rápidamente, a pesar de los muchos eventos. Algunos autores logran hacer creer al espectador en los giros más fantásticos, mientras que otros realizan incluso situaciones reales como juguetes. Y es agradable ver algunas cintas, mientras que otras son difíciles.

El caso es que, además de la trama y los actores, hay muchas técnicas interesantes que utilizan los directores para ayudar al espectador a sentir la acción y disfrutar de lo que sucede en la pantalla. Es posible que estas sutilezas ni siquiera se noten, pero aún afectan en gran medida la percepción de la imagen.

Espectro de colores

Lo primero que hay que tener en cuenta es que los colores de las películas a menudo no son los mismos que en la vida real. Puede ser bastante obvio (por ejemplo, si la imagen es en blanco y negro), o no se da cuenta de inmediato. Pero esto no es casualidad.

Creando una atmósfera

Con la ayuda de los colores, puede transmitir mejor la atmósfera de lo que está sucediendo, crear un estado de ánimo para el espectador e incluso mostrar los sentimientos de los propios personajes.

Tome la popular franquicia X-Men como ejemplo. En la serie principal de películas, la imagen brillante y rica se asemeja a los cómics. Y a diferencia de ellos en el noir "Logan", donde se habla de la vejez y el cansancio del héroe, se eligen tonos más pálidos.

Tomada de la película "X-Men: Apocalypse"

Tomada de la película "Logan"

En la película "Mad Max: Fury Road" la mayor parte de la acción tiene lugar en una zona desértica caliente. Es lógico que la imagen haya sido tomada en tonos amarillo-naranja, que te hacen sentir el sol abrasador y la sequedad.

Para mayor claridad, puede tomar un marco y cambiar el esquema de color. Inmediatamente parecerá que se ha vuelto más frío.

Tomada de la película "Mad Max: Furia en la carretera"

El mismo marco, pero en colores fríos

Para crear una imagen contrastante, los éxitos de taquilla modernos y, en general, el cine de masas se hacen más azules y naranjas.

Pero al famoso Wes Anderson le encantan los tonos rosáceos suaves. Le da al espectador la sensación de una vieja película romántica. Y todo lo que sucede se percibe con más tranquilidad y facilidad.

Cuando quieren crear una atmósfera de futuro y fantasía, también suelen recurrir a la gama azul. Y les encantan especialmente los colores neón, que están firmemente conectados en la cabeza del espectador con el cyberpunk y la tecnología.

No hace falta decir que los cineastas de terror prefieren los colores oscuros. Hay varias razones para esto. Por supuesto, esta es en parte una forma de bombear la atmósfera. Mucha gente ya le tiene miedo a la oscuridad, y en las películas de terror también hay monstruos escondidos en ella.

Además, una imagen oscura le permite ocultar ligeramente las imperfecciones de los gráficos o el maquillaje y ahorrar en producción. Es cierto que hay un peligro en esto: si oscurece demasiado el marco, es posible que el espectador simplemente no vea lo que está sucediendo en la pantalla, especialmente en un mal cine o en un televisor viejo. Por ejemplo, este fue el caso de la película Slenderman de 2018.

Aunque algunos directores originales pueden jugar en contraste. Por ejemplo, Ari Astaire en "Solstice" mostró la atmósfera típica de una película de terror: los héroes se encuentran en un pueblo aislado donde suceden cosas terribles.

Pero al mismo tiempo, la imagen es muy brillante, casi no hay escenas oscuras y la ropa de los héroes es blanca como la nieve. Y esto lo hace aún más aterrador, porque no hay ningún lugar donde esconderse del horror.

Separación de partes de la parcela

Una película puede tener varios filtros de color diferentes. Se utilizan para separar historias con mayor claridad. Y con el talento adecuado, este enfoque ayuda a iluminar la imagen.

Matrix es un gran ejemplo. El logo de esta cinta se realizó con símbolos de código verde, denotando el programa en el que vive la gente. Por eso todo lo que ocurre en el mundo virtual fue filmado a través de un filtro verdoso. Y los eventos reales se muestran en azul.

Una escena de la película "The Matrix", acción en el mundo virtual

Una escena de la película "The Matrix", acción en la vida real

Y solo al final de la tercera parte, cuando las personas y las máquinas firmaron un acuerdo de paz, los colores azul puro y verde aparecen en el marco al mismo tiempo.

En El origen de Christopher Nolan, los personajes pasan del mundo real a dormir, luego a dormir dentro del sueño, y así sucesivamente. Para separar más claramente las "capas", el director eligió su propio esquema de color para cada una de ellas.

Tomada de la película "Inception", el primer sueño.

Tomada de la película "Inception", segundo sueño

Tomada de la película "Inception", tercer sueño

En el primer nivel de sueño, todo está filmado en una paleta azul, el segundo es amarillo, el tercero es blanco. Y solo en el último sueño todos los tonos se juntan nuevamente, como en el mundo real.

En Blade Runner 2049 de Denis Villeneuve, diferentes colores reflejaban tanto la ubicación como el estado interior del protagonista.

Tomada de la película "Blade Runner 2049"

Tomada de la película "Blade Runner 2049"

Tomada de la película "Blade Runner 2049"

Tomada de la película "Blade Runner 2049"

Todo comienza con el personaje de Ryan Gosling vagando en la niebla, luego atraviesa un desierto anaranjado caliente, futurismo de neón y una inundación nocturna. Y la historia termina sobre un fondo blanco como la nieve, reflejando calma y purificación.

Rechazo del color

Érase una vez, todas las películas eran en blanco y negro. Simplemente porque no sabían cómo disparar de otra manera y era posible colorear los marcos solo a mano. Luego aparecieron las películas en color y la cinematografía se volvió mucho más realista.

Pero al mismo tiempo, la fotografía en blanco y negro no es completamente cosa del pasado. Todavía se utilizan con fines artísticos. Por ejemplo, para delinear diferentes mundos o historias.

Entonces, en "El mago de Oz" en 1939, el color aparece cuando Dolly ingresa al mundo de las hadas.

Fotograma de la película "El mago de Oz", mundo ordinario

Fotograma de la película "El mago de Oz", país de las hadas

En "Stalker" de Andrei Tarkovsky, los colores también están ausentes en la vida cotidiana de los héroes. Y cuando los personajes entran en la "Zona" mística, el mundo se vuelve brillante: es aquí donde la gente realmente se revela.

O todo lo mismo Christopher Nolan en la cinta "Recuerde" mostró una parte de la acción en el orden directo, y la segunda - en el contrario. Por tanto, la mitad de la película está filmada en color y la otra en blanco y negro.

Fotograma de la película "Recordar", pedido directo

Imagen fija de la película "Recordar", en orden inverso

Además, una imagen en blanco y negro le permite resaltar ciertos detalles de manera más vívida simplemente agregándoles color. Por primera vez, Sergei Eisenstein hizo esto cuando pintó manualmente la bandera en el acorazado Potemkin de 1925.

Posteriormente, esta técnica se utilizó en géneros completamente diferentes. En La lista de Schindler de Steven Spielberg, la aparición de una chica con un abrigo rojo se convierte en uno de los momentos más emotivos.

E incluso en la película de cómics Sin City, este enfoque se usa repetidamente, con énfasis en el lápiz labial rojo, los ojos brillantes o la sangre.

Construcción del marco

Regla de los tercios

Uno de los principios fundamentales tanto del cine como de la fotografía. Esto es algo así como una regla simplificada de la "proporción áurea".

Es simple: al disparar, la pantalla se divide en tres partes vertical y horizontalmente. Los elementos más importantes para la parcela deben ubicarse en estas líneas, así como en su intersección. Esto facilitará que el espectador se concentre en los puntos deseados.

Colocar en un cuadrado

Si divide condicionalmente el fotograma por la mitad o en cuatro partes iguales, puede hacer que el espectador comprenda sin palabras qué lugar ocupa el personaje en la historia.

Esta técnica se ve más claramente en la película "Drive" de Nicholas Winding Refn. Por ejemplo, si la cara del personaje principal se muestra en la esquina superior izquierda, y en el siguiente cuadro aparece otro personaje en el mismo lugar, entonces esto es una pista de que los personajes serán rivales.

Además, el mismo Refn puede contar dos historias en paralelo: en las partes superior e inferior de la pantalla o en las mitades izquierda y derecha. Es posible que el espectador no note este movimiento, pero aún así la percepción de los personajes será más completa. Además, es simplemente hermoso.

Simetría

Otra técnica psicológica y estética al mismo tiempo. A menudo, las tomas en las que la mitad izquierda refleja la mitad derecha se realizan solo por belleza.

Pero a veces transmiten la oposición de los personajes. Y si el héroe se mira en el espejo, mostrará su lado oscuro o la diferencia entre los sueños y la realidad. En definitiva, cualquier alegoría que se pueda pensar para reflexiones.

Fotograma de la película "2001: A Space Odyssey"

Tomada de la película "El resplandor"

Fotograma de la película "Joker".

Esquina holandesa

Para mostrar la inestabilidad del protagonista, sus dudas sobre algo o problemas de memoria, utilizan una técnica muy visual. "Ángulo holandés" significa que la cámara no está disparando en línea recta, sino inclinada. Se pueden encontrar muchos ejemplos de este enfoque en las películas de Danny Boyle.

Es inusual que el espectador mire la imagen desde un ángulo, por lo que percibe mejor el estado incómodo del personaje.

Sin embargo, es importante observar la medida aquí. Por ejemplo, la desastrosa película "Battlefield: Earth" se filmó completamente en ángulo. Pero en una hora y media, lo más probable es que el espectador solo tenga dolor de cuello.

Disparos desde abajo y desde arriba

Otra de las técnicas sencillas pero efectivas que permite trasmitir el sentimiento de sí mismos de los héroes. Para que pueda mostrar, por ejemplo, quién es el dueño de la situación. Y luego recuerdo inmediatamente las cintas de Quentin Tarantino, donde los personajes miran hacia el baúl.

Tomada de la película "From Dusk Till Dawn"

Tomada de la película "Reservoir Dogs"

Y disparar desde arriba te hace sentir que el héroe se siente inseguro. Así de divertido lo interpretaron en la famosa escena de la película "De qué hablan los hombres", donde el personaje de Kamil Larin, como un niño, le da excusas al portero de un restaurante caro:

Diálogo y movimiento

Acción en segundo plano

Una técnica que se usa con mayor frecuencia en la comedia o el terror. En primer plano, no sucede nada interesante. Y todo lo más importante se despliega contra el fondo, que puede oscurecerse o difuminarse.

Por ejemplo, el protagonista de la película "Zombie Called Sean" va a la tienda. Todo es muy mundano para él. Y de fondo hay un verdadero apocalipsis:

Dependiendo del género y la presentación, esto puede crear un efecto o tensión muy divertido, por lo que a menudo los gritos principales están ocultos en las películas de terror.

Conversaciones en movimiento

El tipo de diálogo más común en las películas es que los personajes se sientan y conversan. En este caso, la cámara tradicionalmente cambia entre caras.

Pero si la escena tarda demasiado, el espectador se cansará de la constante repetición de los mismos ángulos. Por lo tanto, los buenos directores complementan o cambian el escenario de tales escenas.

Entonces, en las películas de Quentin Tarantino, los personajes hablan casi constantemente. Pero el maestro no deja que te aburras, porque los diálogos pueden tener lugar mientras conduces. Debido al constante cambio de fondo, la acción no parece monótona.

E incluso si los personajes están en la misma habitación, la cámara no cambia así. Puede moverse alrededor de ellos, creando el efecto de presencia e incluso participación en la conversación. Casi todos los caracteres se pueden ver sin una edición innecesaria.

Nicholas Winding Refn logra utilizar el juego ya mencionado con color y reflejo en una simple conversación. En Drive, el primer diálogo de los protagonistas parece muy simple.

Pero al mismo tiempo, el personaje de Ryan Gosling siempre está sobre un fondo azul (este esquema de color lo acompaña a lo largo de la película). Y la heroína Carey Mulligan se encuentra en las paredes naranjas. Y esto demuestra que algo los separa, aunque estén cerca.

La regla de los 180 grados

Hay un punto más importante durante el rodaje. Si mueve la cámara más de 180 grados al cambiar de ángulo, el espectador se confundirá. Por ejemplo, cuando el héroe está corriendo, parecerá que se ha dado la vuelta y se mueve en la dirección opuesta.

Y esto es igualmente importante incluso durante los diálogos. Para no dar la impresión de que todos en el encuadre se han movido abruptamente, el operador y el director eligen una cierta línea más allá de la cual la cámara no debe pasar.

Es curioso que una violación deliberada de esta regla pueda usarse solo para confundir al espectador, para mostrar la confusión del héroe. Y con la debida imaginación, los autores crean escenas más inusuales. Por ejemplo, la conversación de Gollum consigo mismo. El personaje simplemente se muestra desde diferentes lados, pero esto crea el efecto de que hay dos hablantes y están en diálogo.

Características de instalación

La edición te permite dinamizar la acción de la película, "saltando" los momentos aburridos de la vida y permitiéndote mirar lo que está sucediendo desde diferentes puntos de vista. Su forma más simple es narrativa. Es decir, los eventos en el marco ocurren uno tras otro. Esto se explicó más claramente en El hombre del Boulevard des Capucines.

Pero puedes mostrar los hechos de la película de una forma diferente, y para ello utilizan diferentes técnicas.

Instalación paralela

A diferencia de la narración secuencial, a veces los autores quieren que la audiencia vea lo que está sucediendo al mismo tiempo en diferentes lugares. Y luego los directores recurren a la edición paralela.

Esto hace que la trama sea más agitada. Pero tienes que tener cuidado. Después de todo, si muestra sucesivamente las escenas que ocurren al mismo tiempo, puede tener la impresión de que cada una de ellas dura más.

Un ejemplo sorprendente de edición paralela fallida es "Furious-6". Los héroes intentan escapar en un avión que circula por la pista, los coches los persiguen y se produce una pelea dentro del revestimiento.

Los autores demuestran tantos eventos a la vez que en la pantalla el avión parece acelerar durante al menos 15 minutos. No hace falta decir que esto mata todo el realismo de la situación.

Christopher Nolan, por otro lado, es ampliamente considerado como un maestro de la edición paralela. El director lo usa en muchas de sus obras, pero The Beginning es el mejor ejemplo. Los eventos en diferentes niveles de sueño ocurren simultáneamente y a diferentes ritmos (en el sueño más profundo, el tiempo se mueve más lentamente).

Aquí, la separación de colores ya mencionada se suma a la acción y el espectador no se confunde con lo que está sucediendo, sino que se da cuenta de toda la globalidad de los eventos.

Por cierto, es interesante que en la película "Dunkerque" Nolan sea aún más ingenioso con esta técnica. Muestra en paralelo los eventos que tienen lugar en el suelo, en el agua y en el aire. De hecho, la cronología es completamente diferente y todo converge solo en el final.

Flashbacks y Flash Forwards

A veces, los autores incorporan sus recuerdos del pasado (flashbacks) en la historia lineal de los héroes. Pueden ser breves destellos de unos pocos segundos o historias completas.

Un gran admirador de esos momentos es Jean-Marc Vallee. Por lo tanto, agrega tensión a las escenas aparentemente tranquilas. O deja claro que el personaje está engañando a alguien: dice una cosa, pero algo completamente diferente aparece en sus recuerdos.

No es difícil adivinar que los flashforwards son las mismas historias, pero del futuro. Se usan con menos frecuencia, generalmente en ciencia ficción o historias místicas. Con tal técnica, incluso construyeron una serie completa, donde, durante un cierto eclipse, cada persona vio algún momento de su futuro.

Y más adelante en la trama, todos están tratando de descubrir las razones de lo que sucedió y comprender el significado de sus visiones. La serie se llamó así: Flashforward (en traducción rusa - "Recuerda lo que sucederá"). Es cierto que duró solo una temporada.

Salto

Esta técnica ya se aplica a la edición lineal. Significa una transición nítida entre fotogramas. Lo usan para propósitos completamente diferentes.

En La pequeña tienda de los horrores de Frank Oz, este montaje ayuda a mostrar el largo y aburrido paso del tiempo.

Pero Lars von Trier, que también utiliza a menudo el salto en sus obras, transmite de esta manera el estrés emocional y la inestabilidad psicológica de los personajes. Disparar así hace que la imagen sea más "nerviosa". En la cinta de "Idiotas", esto es muy apropiado:

Editando en forma y sonido

Para que los diferentes eventos mostrados en la película se perciban como una continuación unos de otros, los autores suelen utilizar coincidencias visuales. Es decir, los contornos de algún objeto en un cuadro se repiten en el siguiente. Y a veces puede parecer muy ingenioso.

Asimismo, puede "enganchar" al espectador con el sonido. El grito continúa con el silbido del vapor y el estruendo industrial es reemplazado por música del mismo tempo. O el silbido de una tubería dañada se convierte en un crujido de carne asada.

Además, el sonido puede estar un poco por delante o por detrás de lo que se muestra en la pantalla. Esto se hace para que las escenas estén más conectadas. Es decir, el espectador todavía escucha el habla y los crujidos del cuadro anterior, pero la acción ya ha cambiado. O viceversa.

Falta de instalación

Este es un movimiento audaz: los directores filman escenas largas sin editar en absoluto, o las esconden de varias maneras.

Esto hace que lo que está sucediendo en la pantalla sea más realista, le da al espectador una idea del ritmo de la historia en sí. Pero, por supuesto, este enfoque requiere mucho más ensayo e inversión. Después de todo, durante el procesamiento, puede eliminar pequeñas cosas sin éxito.

Entonces, Joe Wright en la película "Expiación" mostró una escena de cinco minutos con la evacuación de tropas de Dunkerque durante la Segunda Guerra Mundial. 1.300 personas estuvieron involucradas en la escena de la multitud, con equipos moviéndose en el marco y explosiones en el fondo. Es este enfoque el que transmite toda la tristeza y el caos de lo que está sucediendo.

Las tecnologías modernas permiten manejar la instalación con mayor precisión. Y ayudó a Alejandro González Iñarrit a disparar a Birdman. En él, ni siquiera se da cuenta de inmediato de que toda la acción se muestra en un cuadro continuo.

De hecho, el montaje está ahí, pero oculto. Los empalmes se realizan cuando la cámara pasa por algún elemento oscuro.

Y el "Arca rusa" de Alexander Sokurov parece aún más fuerte. La acción transcurre en el Hermitage, y el director disponía de un día para filmar. Por lo tanto, decidió disparar la imagen sin pegar.

Fueron necesarios siete meses de ensayos con 800 extras. Como resultado, a partir de la tercera toma rodaron una película completa con una duración de 1 hora y 27 minutos.

De hecho, hay muchas más sutilezas. Pero muchos de ellos ya requieren un conocimiento profundo de dirección y cinematografía. Estos son solo ejemplos simples que se pueden ver en muchas películas. Y cuando vea la siguiente imagen, seguramente le sorprenderá el "rincón holandés" o un marco largo sin editar. Pero esto no destruirá la magia del cine, sino que, por el contrario, hará que la visualización sea aún más interesante.